Wichaya Artamat

Metteur en scène et membre fondateur de For What Theatre. Né en 1985 à Bangkok, en Thaïlande, il est fasciné par la performance depuis longtemps. Après avoir obtenu son diplôme en cinéma à l’Université Thammasat, il a commencé à travailler dans le théâtre en tant que coordinateur de projet pour le Bangkok Theatre Festival 2008. En 2009, il a rejoint la New Theatre Society et s’est fait remarquer comme un metteur en scène utilisant des approches expérimentales et innovantes de l’art théâtral. Il a été salué comme « l’un des créateurs du théâtre contemporain les plus prometteurs d’Asie du Sud-Est », et s’intéresse particulièrement à la manière dont la société se souvient et oublie l’histoire à travers des dates spécifiques. Il a cofondé For What Theatre en 2014 et est également membre du Sudvisai Club et du Collective Thai Scripts. Depuis la première européenne de son œuvre majeure “This Song Father Used to Sing (Three Days in May)” au Kunstenfestivaldesarts 2019, il a effectué de nombreuses tournées et ses activités créatives à travers l’Europe, l’Asie et au-delà.

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SHIRAGA Momoko & Lattanakone INSISIENGMAY

SHIRAGA Momoko

Chorégraphe, metteuse en scène et danseuse
Leader du groupe de danse Momonga Complex.
En tant que leader de Momonga Complex, elle compose, chorégraphie et met en scène toutes les œuvres du groupe. Son style de création d’espaces uniques qui font la part belle au non-sens et au superflu est toujours très apprécié.
En 2011, elle est devenue artiste associée du centre culturel de la ville de Fujimi, KIRARI FUJIMI, où elle a mis en scène la coproduction japonaise et thaïlandaise “Notre Forêt” en mars 2018.
Ses activités au-delà des frontières des genres comprennent également la composition et la mise en scène de “Hyakumonogatari” pour le Deaf Puppet Theater Hitomi en mars 2022.
Elle est devenue Junior Fellow de la Saison Foundation pour l’exercice 2017–2018.
Depuis 2019, elle est Directrice Artistique du Centre Culturel de la ville de Fujimi, KIRARI FUJIMI.

Khao Niew / Lattanakone INSISIENGMAY

Lattanakone dirige la compagnie de théâtre de marionnettes contemporaine Khao Niew, qu’il a créée en 2008. Il cherche à incarner la spiritualité laotienne, qui met l’accent sur la coexistence avec la nature, à travers une approche unique intégrant des objets comme des matériaux naturels ou des ustensiles familiers de la vie quotidienne, ainsi que des corps humains. Ses œuvres ont été reconnues à l’étranger où il s’est engagé dans un grand nombre de collaborations avec des artistes en France et dans d’autres pays européens, ainsi que dans des pays d’Asie du Sud-Est. Il a également donné de nombreuses représentations et ateliers au Japon.
En 2015, il a commencé à organiser des ateliers pour les personnes sourdes à la demande de l’Association des sourds du Laos, qui vise à promouvoir la participation sociale des personnes sourdes. En 2016, il a créé la branche “Khao Niew Deaf” au sein de sa compagnie théâtrale.
Il a organisé le Vientiane Performing Arts Festival de 2015 à 2018. En 2022, il s’est chargé de spectacles et d’ateliers dans le cadre du Festival France-Laos ainsi que d’un événement lié aux droits de l’homme organisé par PETA. Il a également organisé le Vientiane Performing Arts Festival en 2024.

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SHIBUYA Keiichiro

SHIBUYA Keiichiro (né en 1973) est un compositeur et musicien japonais. Son œuvre comprend de la musique électronique d'avant-garde, des solos pour piano, des opéras, des musiques de films et des installations sonores. À travers ses compositions musicales et sa collaboration avec des artistes et des scientifiques, il remet en question les frontières entre les humains et la technologie, ainsi que la vie et la mort.
En 2012, SHIBUYA a composé l'opéra vocaloid sans humain THE END, avec HATSUNE Miku en vedette. Il a composé cet opéra entièrement avec des éléments audio et visuels générés par ordinateur. Le spectacle, dont les costumes sont signés Louis Vuitton et Marc Jacobs, a été créé au Théâtre du Châtelet à Paris et a depuis effectué une tournée mondiale.
En 2018, SHIBUYA a créé l'opéra androïde intitulé Scary Beauty, dans lequel l'androïde chante tout en dirigeant un orchestre. Cet opéra a été mis en scène au Japon, en Allemagne et aux Émirats arabes unis. En 2021, le New National Theatre de Tokyo lui a demandé de composer l'opéra Super Angels, qui met en scène l'androïde accompagné de chanteurs d'opéra humains, de danseurs de ballet et d'un orchestre complet. En 2022, SHIBUYA a composé et interprété l'opéra androïde MIRROR comme prototype pour l'Expo 2020 de Dubaï, en collaboration avec des moines bouddhistes et un orchestre.
SHIBUYA est également un compositeur primé de musiques de films. En 2020 et 2021, il a été récompensé lors de la 75e édition des Mainichi Film Awards et a reçu le 30e Japan Movie Critics Award pour le film Midnight Swan. En 2022, il a composé la bande-son du court-métrage KAGUYA BY GUCCI, une activité mondiale de la marque GUCCI.
En 2022, Shibuya a ouvert son laboratoire ; Android and Music Science Laboratory à l'Université des Arts d'Osaka avec le professeur ISHIGURO Hiroshi, un chercheur en robotique, et IMAI Shintaro, un musicien informaticien et programmeur d'androïdes. Le laboratoire a été conçu par l'architecte SEJIMA Kazuyo. L'institut encourage la recherche sur la création de nouvelles musiques avec des androïdes et l'intelligence artificielle.
http://atak.jp/en/

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NAKASHIMA Makoto and Nicholas Viselli

NAKASHIMA Makoto

Né en 1966, NAKASHIMA Makoto est diplômé de la faculté de droit de l’Université de Tokyo. Il a commencé à faire du théâtre alors qu’il était encore étudiant. Après avoir obtenu son diplôme, il a dirigé une compagnie théâtrale basée à Tokyo. En 2004, il rejoint pour un an et demi le Centre des arts scéniques de Shizuoka (SPAC). En 2006, il aménage en théâtre une école désaffectée de Tottori et fonde la compagnie BIRD. Il cherche à montrer le pouvoir propre au théâtre, dispositif culturel vieux de plus de 2000 ans, et à faire largement connaître la valeur du théâtre dans toute sa profondeur, à la fois en tant qu’art scénique et en tant que lieu. Menant de pair une recherche artistique et des activités de diffusion auprès du grand-public, il est également impliqué dans la redynamisation régionale et le domaine de l’éducation. Ses mises en scène les plus connues sont La visite de la vieille dame (Friedrich Dürrenmatt) et Forger les sabres (Lu Xun).
En 2003, il a reçu le prix du meilleur metteur en scène au concours de mise en scène de Toga, en 2010, il a été récompensé par le Prix des arts du ministre de l’Education pour les jeunes artistes. En 2015, le département de Tottori lui a décerné le prix du mérite culturel.
Il représente le Japon au sein du comité BeSeTo. Il est membre de la commission éducative du département de Tottori, et membre du conseil d’administration de l’Université de Tottori.

Nicolas Viselli

Directeur artistique du Theatre Breaking Through Barriers (TBTB).
Nicolas Viselli a fait ses études de théâtre au Royal National Theater de Londres. Il a rejoint en 1997 le TBTB où il œuvre pour transmettre la démarche initiée par le fondateur.
Ces 18 dernières années, il a joué dans pratiquement toutes les pièces de la compagnie. Il a été particulièrement remarqué dans Œdipe de Sénèque où il incarnait Créon, Laïos ainsi qu’un esclave, et dans Hamlet de Shakespeare où il tenait le rôle-titre.
Il a réalisé plusieurs mises en scène pour le TBTB, tout en prenant une part active à la vie du théâtre, notamment la création sonore, la planification des tournées et la production.
Il s’est occupé de la participation du TBTB au Festival international du théâtre des aveugles et des malvoyants à Zagreb en 2009 et 2011, et il a dirigé avec succès en 2013 la représentation spéciale du TBTB tenue à la demande de l’ONU dans le cadre de la Journée internationale des personnes handicapées, s’impliquant dans l’ensemble du processus, de la conception au pilotage du projet.

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Pascal RAMBERT

Dramaturge, metteur en scène, réalisateur de films et chorégraphe français. Il est né en 1962. A travaillé comme directeur artistique du centre dramatique national, le Théâtre de Gennevilliers, de 2007 à 2017, recevant une grande reconnaissance. Il a remporté le Grand Prix de littérature dramatique du Centre national du Théâtre en 2012, le Prix de l'auteur au Palmarès du théâtre en 2013 et le Prix du Théâtre de l’Académie Française en 2016. Depuis 2017, il est artiste associé du Théâtre des Bouffes du Nord à Paris. En 2019, sa pièce Architecture a été présentée en ouverture du Festival d'Avignon.

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Seinendan / HIRATA Oriza

La compagnie Seinendan a été fondée en 1982 à l’initiative d’Oriza Hirata et ses collaborateurs. Basée au Agora Theatre à Komaba (Tokyo), elle a développé un nouveau style de théâtre à travers la "théorie du style parlé dans le théâtre contemporain" proposée par Oriza Hirata, et a eu une forte influence sur le monde du théâtre japonais depuis les années 1990. En 1995, Hirata est le lauréat du 39e prix Kunio Kishida, décerné au meilleur dramaturge pour une pièce qui a été présentée l’année précédente. Ce prix est le plus prestigieux qu’un auteur de théâtre puisse obtenir au Japon. Par la suite, la compagnie élargira ses activités à l’étranger. Les pièces de Hirata sont très bien accueillies, notamment en France : l’esthétique de Seinendan ainsi que le jeu des acteurs sont remarqués par les spectateurs et les professionnels du théâtre, ce qui incite la compagnie à monter des projets internationnaux. Depuis 2020, la compagnie crée et présente également des œuvres depuis sa nouvelle base à Toyooka, dans la préfecture de Hyogo, au Ebara Riverside Theatre.

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Daniel Jeanneteau

Metteur en scène, scénographe
Après des études à Strasbourg aux Arts Décoratifs et à l’École du TNS, il rencontre le metteur en scène Claude Régy dont il conçoit les scénographies pendant une quinzaine d’années. Il travaille également avec de nombreux metteurs en scène et chorégraphes (Catherine Diverrès, Jean-Claude Gallotta, Alain Ollivier, Nicolas Leriche, Jean-Baptiste Sastre, Trisha Brown, Jean-François Sivadier, Pascal Rambert...).Depuis 2001, et parallèlement à son travail de scénographe, il se consacre à la création de ses propres spectacles, en collaboration avec Marie-Christine Soma (Racine, Strindberg, Boulgakov, Sarah Kane, Martin Crimp, Labiche, Daniel Keene, Anja Hilling, Maurice Maeterlinck, Tennessee Williams). Metteur en scène associé au Théâtre Gérard Philipe de Saint-Denis de 2002 à 2007, à l’Espace Malraux de Chambéry en 2006 et 2007, à la Maison de la Culture d’Amiens de 2007 à 2017, au Théâtre National de la Colline, avec Marie-Christine Soma, de 2009 à 2011. Lauréat de la Villa Kujoyama à Kyoto en 1998 et de la Villa Médicis Hors les Murs au Japon en 2002, il a reçu le Grand prix du syndicat de la critique en 2000 et en 2004. Daniel Jeanneteau a dirigé le Studio-Théâtre de Vitry de 2008 à 2016. Il a pris la direction du T2G – Théâtre de Gennevilliers en janvier 2017. En 2019, il y crée Le Reste vous le connaissez par le cinéma, présenté au Festival d'Avignon. En 2020, il adapte L’autre fille, d’Annie Ernaux, à l’invitation de l’Ircam-Centre Pompidou. En 2021, il crée Aguets, en plein air pour 9 jeunes circassien·ne·s, et Pelléas et Mélisande, opéra de Maurice Maeterlinck et Claude Debussy, à l’Opéra de Lille.

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FUJIKURA Dai

Né à Osaka. A 15 ans, il part seul pour l’Angleterre afin de suivre l’enseignement de George Benjamin et d’autres compositeurs. Il a été récompensé par de nombreux prix et a reçu maintes commandes. Son opéra « Solaris » dont la création mondiale a eu lieu en 2015 est une commande conjointe du Théâtre des Champs-Elysées, de l’Opéra de Lausanne et de l’Opéra de Lille. En 2019, il a reçu le prix Otaka et le Prix des arts du ministre de l’Éducation. 2020 est marqué par la création mondiale au Nouveau Théâtre National de Tokyo de l’opéra « Le rêve d’Armageddon », qui a été sélectionné par de nombreuses revues musicales comme l’une des meilleures productions de l’année. Dans ses activités récentes, il touche à de nombreux domaines, présentant des œuvres destinées à une interprétation à distance, répondant à de nombreuses demandes de compositions pour des émissions de télévision. Il enregistre pour le label Sony Music ainsi que pour son propre label, Minabel Records. Quant aux partitions de ses œuvres, elles sont publiées par Ricordi Berlin.

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FUJIWARA Dôzan, FUJIMOTO Akiko, OKAMURA Shintarô

FUJIWARA Dôzan

Commence le shakuhachi à l’âge de 10 ans, et se forme auprès de Yamamoto Hôzan I (trésor national vivant). Diplômé du cycle de maîtrise de musique de l’Université des arts de Tokyo. Directeur musical des manifestations organisées pour le 60e anniversaire de l’établissement des relations diplomatiques entre le Japon et l’Indonésie. Il s’investit activement pour faire connaître la musique traditionnelle au plus grand nombre à travers des interprétations en public, des concerts dans les écoles, des stages ou des conférences, tout en explorant des genres musicaux très divers à la recherche des possibilités du shakuhachi. Il joue avec les plus grands noms de la musique et du spectacle, TOMITA Isao, SAKAMOTO Ryûichi, Kenny G, NOMURA Mansai, l’orchestre philharmonique de Vienne. En tant que musicien invité, il participe au film Amour et honneur (Bushi no ichibun) produit par Shôchiku. Il consacre également beaucoup d’efforts à l’éducation musicale par le biais de la rédaction et l’édition de manuels scolaires pour le primaire et le premier cycle du secondaire (Editions Kyôiku geijutsu) ainsi que des concerts scolaires. Maître de l’école Tozan. Lauréat du 71e Prix des arts du ministre de l’Education en 2019.

FUJIMOTO Akiko

Interprète de jiuta (chant accompagné de shamisen), de koto et de shamisen de l’école de Kyûshû. Se forme auprès de sa grand-mère, ABE Keiko, et de sa mère FUJII Kunie (trésor national vivant). Donne son 1e récital en 1995. Depuis, elle a donné un total de 17 récitals. En 2001, elle lance la série de concerts Jiuta live afin d’assurer la transmission des classiques et d’explorer de nouvelles possibilités, série qui atteint sa 100e édition en novembre 2021. Elle donne de nombreux concerts de jiuta en Europe et en Amérique, se produisant aux Etats-Unis, en Grande-Bretagne, aux Pays-Bas, en Belgique, en Hongrie et en Suisse ; elle organise également une série de six concerts au Japon intitulée JIUTA avec une présentation complète des pièces en anglais. Elle a reçu de nombreux prix, notamment le Prix de la Japan Traditional Cultures Foundation, le Prix d’encouragement Pola pour la culture traditionnelle, le Prix des arts du ministre de l’Education, le Prix d’excellence du spectacle de la Fondation Matsuo, le Grand Prix musique du Festival des arts de l’Agence des affaires culturelles, le Grand Prix du disque du Festival des arts pour son CD Yukisumi (Neige et encre). A l’automne 2021, elle a été décorée de la médaille au ruban pourpre. Elle enseigne à l’école de musique japonaise Seiha Ongakuin. Elle fait partie du conseil d’administration de la Japan Traditional Cultures Foundation. Elle est à la tête de l’association Fujimoto Akiko.

OKAMURA Shintarô

Diplômé du cycle de maîtrise de musique de l’Université des arts de Tokyo. Durant sa scolarité, se produit devant la famille impériale dans la salle de musique Tôka Gakudô de la Cour. Sélectionné par l’Université des arts, il fait ses débuts avec le Récital OKAMURA Shintarô dans la salle Sôgakudô. Il se forme aux kumi uta du shamisen et du koto auprès du maître KIKUFUJI Shôu, et termine son apprentissage de tous les morceaux (2006). Suit la formation pour les jeunes artistes de l’Agence des affaires culturelles, puis travaille comme chercheur associé au Centre de recherche sur la musique traditionnelle japonaise de l’Université municipale des arts de Kyoto (2006-2007). Lecteur à l’Université musicale Elisabeth. Premier au 34e Concours de koto de l’Association Miyagi. Prix d’encouragement au 6e Concours de koto Kenjun, prix d’excellence et prix du ministre de l’Education au 22e Concours national de musique japonaise de Kumamoto.

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NODA Hideki

Dramaturge, metteur en scène, acteur. Directeur artistique du Tokyo Metropolitan Theatre. En 1976, alors qu’il est étudiant à l’Université de Tokyo, il fonde la compagnie théâtrale Yume no Yûminsha. Elle sera dissoute en 1992. Après un séjour d’études à Londres, il fonde en 1993 NODA. MAP. Il présente de nombreuses pièces qui ont fait date : Kill, Pandora no kane (La cloche de Pandore), Akaoni (Démon rouge), THE BEE, The Character, Gansaku Sakura no mori no mankai no moto (Sous les fleurs de la forêt de cerisiers), Q : A night at the Kabuki, Fakespeare. Il écrit également des scénarios de kabuki et d’opéras qu’il met en scène, et déploie une activité créatrice intense non seulement au Japon mais aussi dans d’autres pays, s’engageant dans des coproductions avec des acteurs étrangers.
Nommé Officier d’honneur de l’Empire britannique en octobre 2009. Reçoit le prix Asahi en 2009. Décoré de la médaille au ruban pourpre en juin 2011.

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MAEKAWA Tomohiro

MAEKAWA Tomohiro (Né en 1974)
Dramaturge, metteur en scène. Il dirige le groupe Ikiume dans le cadre duquel il mène ses activités. S’intéressant aux rapports entre les hommes et l’invisible, il décrit la psychologie humaine à partir de ce qui se cache derrière le quotidien.
Il se distingue par ses mises en scène où il manie ensemble espace et temps sans décalage entre les deux.
Kansû Domino (Fonction domino) lui vaut le 44e Prix du théâtre Kinokuniya pour la meilleure pièce, Sanpo suru shinryakusha (La promenade des envahisseurs) et Ten no teki (L’ennemi du ciel) sont récompensés par le 52e Prix du théâtre Kinokuniya pour la meilleure troupe, Taiyô (Le soleil) remporte le 19e Grand Prix du théâtre Yomiuri ainsi que le 63e Prix du meilleur scénario Yomiuri, Purankuton no odoriba (Le plancton et le palier) (repris sous le titre de Seichi X (Terre sainte X) en 2015) est récompensé par le 14e Prix Tsuruya Nanboku pour la meilleure pièce.

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YAMAUCHI Kenji

A une longue carrière dans la réalisation et la planification de spots publicitaires. Parmi ses réalisations les plus connues figurent les spots publicitaires de NOVA, de Concorde et de Soft Bank. En 2004, il se met à l’écriture dramatique et à la mise en scène, il s’associe avec la productrice JOSHIMA Wakano pour fonder le groupe Shiroyagi no kai. Depuis, il présente une nouvelle pièce tous les ans. Torowaguro (Trois Grotesques) (2014) a obtenu le 59e Prix Kishida Kunio pour la meilleure pièce.
Il se lance également dans le cinéma, et réalise Mitsuko Kankaku (Being Mitsuko, 2011, sélectionné pour le Festival de Varsovie), Tomodachi no papa ga suki (Je suis folle du papa de ma copine) (2015), ainsi qu’At the Terrace adapté de la pièce Trois grotesques (2016). Ces deux films sont invités au Festival international de Tokyo dans le programme Splash, à la Frankfurt Nippon Connection, au Udine Far East Festival. Son film le plus récent est Yoake no fûfu (Les époux de l’aube) (2021, invité au Filmex de Tokyo).
Le groupe Shiroyagi no kai continue à présenter une pièce tous les ans.

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MORIYAMA Mirai, Ella ROTHSCHILD

Planification, co-production, danse : MORIYAMA Mirai

Commence à s’initier à de nombreux genres de danse dès l’âge de 5 ans, fait ses véritables débuts sur scène à l’âge de 15 ans. En 2013, il est nommé ambassadeur pour les échanges culturels et séjourne à ce titre pendant un an en Israël ; attaché à la Inbal Pinto & Avshalom Pollak Dance Company, il se produit en Europe. Il mène ses activités dans l’expression sans se laisser enfermer dans une catégorie donnée. Il a reçu le 10e prix du Forum de la danse. Il a obtenu le prix du meilleur acteur dans le 75e concours du cinéma Mainichi et de 94e Kinemajunpo pour son interprétation dans Underdog. Le film qu’il a réalisé in-side-out a été sélectionné comme œuvre en compétition au festival SSFF & Asie 2021. Le 11 mars 2021, il a été directeur de la mise en scène de la performance Re:Incarnation au temple Kiyomizu de Kyoto. En juin 2021, il a joué dans la pièce écrite et mise en scène par OKADA Toshiki, Miren no yûrei to kaibutsu (Le fantôme du regret et le monstre). Il a interprété une danse en forme de requiem lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques Tokyo 2020. Il appartient au courant post-butô.
https://miraimoriyama.com

Mise en scène, décor, chorégraphie, danse : Ella Rothschild

Née en 1984 en Israël. Chorégraphe, artiste pluridisciplinaire, danseuse. A travaillé au sein de la de danse Inbal Pinto and Avshalom Pollak Dance Company ainsi que de la Batsheva Dance Company sous la direction d’Ohad Naharin. Aujourd’hui, elle danse pour Kidd Pivot, dirigée par Crystal Pite. A compter de 2010, elle s’engage dans la création d’œuvres en collaboration avec des artistes de nombreux domaines. En 2016, elle reçoit le Prix Rosemblum Performing-Arts de la ville de Tel Aviv, en 2017, elle est récompensée par le Prix du ministère israélien de la Culture. Parmi ses créations récentes, on peut citer Futuristic Space donné en ouverture de Yokohama Dance Collection 2019, Jinruishi (L’histoire de l’humanité), produit par le Kanagawa Arts Theater et réalisé conjointement avec le metteur en scène TANI Kenichi, Summer Snow et on the edge of nowhere pour la Batsheva Dance Company.

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FUKAIPRODUCE-hagoromo

FUKAIPRODUCE Hagoromo a été fondé en 2004 par l’actrice FUKAI Junko. ITOI Yukinosuke écrit le texte et la musique, et met en scène toutes les pièces du groupe. Les créations baptisées Myôjikaru (Comédies bizarricales) sont composées de textes rimés accompagnés de mélodies originales inoubliables. Ce style a très vite attiré l’attention et séduit les amateurs de petites salles de théâtre.

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Futome Performance

Le Groupe Futome (Les Boulottes) Performance a été formé en 2009.
NORIMATSU Kaoru signe les mises en scène et les chorégraphies. Ces dernières années, le groupe s’est également lancé dans des co-productions en invitant des metteurs en scène et chorégraphes extérieurs.
Futome Performance a pour atout le sentiment de proximité que suscite la silhouette singulière des artistes ainsi que leur dynamisme.
Il se rend là où on l’invite pour présenter de nombreuses créations, dans les salles de spectacles mais aussi dans les bistros. Il a pour devise : « Danser pour s’amuser ».
Le groupe a également présenté à de nombreuses reprises ses spectacles dans des festivals à l’étranger (Corée, Hong Kong, Philippines, Allemagne, etc.).

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FUJIMOTO Akiko

Se forme dès l’enfance auprès de sa grand-mère, ABE Keiko, et de sa mère FUJII Kunie (trésor national vivant). Interprète de jiuta et de koto de l’école de Kyûshû, donne de nombreux concerts au Japon et à l’étranger afin d’assurer la transmission des classiques et d’explorer de nouvelles possibilités. En 2020, elle fonde l’Association Fujimoto Akiko afin de disposer d’une structure pour gérer ses activités. Décorée de la médaille au ruban pourpre en 2021. Elle a reçu de nombreux prix, notamment le Prix de la Japan Traditional Cultures Foundation, le Prix d’encouragement Pola pour la culture traditionnelle, le Prix des arts du ministre de l’Education, le Grand Prix musique du Festival des arts de l’Agence des affaires culturelles, le Prix d’excellence du spectacle de la Fondation Matsuo. Elle a sorti plusieurs CD dont Yukisumi (Neige et encre) qui a reçu le Grand prix du disque du Festival des arts de l’Agence des affaires culturelles, Jiuta no iroha (Découvrir le jiuta), Hyakunen no toki wo yomigaeru maboroshi no neiro (Un timbre de légende), Zangetsu /Yaegoromo (Reflets de lune/Yaegoromo).

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YANAGIYA Sankyô

Né en 1948, à Honjo dans l’arrondissement de Sumida à Tokyo. Comme le quartier d’Asakusa Rokku est proche, dès son plus jeune âge, son père et son grand-père l’emmènent souvent dans les salles où se produisent les conteurs de rakugo et autres artistes. Il grandit ainsi dans un environnement où il se familiarise avec le rakugo et les spectacles populaires. A 19 ans, une fois qu’il a terminé sa scolarité au lycée rattaché à l’université Chûô, il devient disciple de Yanagiya Kosan V.
Il fait ses débuts sur scène sous le nom de Koina. Promu au deuxième grade en 1972, il prend alors le nom de YANAGIYA Sankyô. En 1981, il accède au rang de shin.uchi (maître) et depuis, il n’a cessé de se produire. Il a derrière lui 54 ans de carrière de conteur. Excellant dans les histoires émouvantes ou comiques du répertoire classique, il prend soin de situer les personnages dans leur contexte. En particulier, il a l’art de décrire la vie quotidienne des nagaya (longues baraques où vit le petit peuple). Son talent de conteur qui donne de la profondeur et de la saveur aux histoires est apprécié par le public.
Ces dernières années, il s’implique beaucoup dans la présentation de la langue et de la culture japonaises aux étrangers à travers le rakugo ; en 2016, il a été nommé ambassadeur pour les échanges culturels par l’Agence des affaires culturelles et a effectué des tournées en Amérique et au Canada.
Il a reçu de nombreux prix, notamment le 63e Prix des arts du ministre de l’Education (domaine spectacles populaires) en 2013, et le 42e prix de la Fondation du Japon en 2014. En 2017, il reçoit la médaille au ruban pourpre. Depuis 2006, il fait partie du conseil d’administration de l’Association de rakugo.

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KURATA Midori

Née en 1987 dans le département de Mie. Diplômée du département arts visuels et arts de la scène de l’Université de Kyoto de l’Art et du Design (aujourd’hui Université des arts de Kyoto). A commencé la danse classique et la danse moderne à l’âge de 3 ans. Déploie son activité de metteur en scène et de danseuse dans la région de Kyoto. D’œuvre en œuvre, elle explore les possibilités de la « danse », en se confrontant à autrui et utilisant le dispositif scénique pour transformer en fiction les événements qui se produisent alors. Depuis 2016, elle est à la tête du groupe akakilike, constitué uniquement d’elle-même et d’une équipe technique. Elle cherche ainsi à réaliser des œuvres où acteurs et techniciens s’impliquent sur un pied d’égalité. Elle bénéficie du soutien de la Fondation Saison.
Parmi ses spectacles récents, on peut citer Kazoku shashin (Photos de famille), une pièce créée en 2016 et maintes fois reprise, dont on peut dire qu’elle est l’une des plus représentatives de la première période de akakilike, Sabaku (Trier), créé en 2017, Hajimemashite konnichiwa, ima watashi ha dare desuka ? (Enchanté, bonjour, qui suis-je maintenant ?), créé en 2018 avec les habitants du quartier de Higashi-kujô à Kyoto, Nemuru no ga mottainai kurai ni tanoshii koto o takusan motte, natsu no umi ga kirakira kagayaku yô ni, midori no niwa ni hikari afureru yô ni, eien ni tsuzuku ki ga kurui so na seiten no yô ni (Tellement de choses amusantes que c’est trop dommage de dormir, comme la mer qui brille en été, comme la lumière qui inonde un jardin vert, comme un ciel follement bleu pour l’éternité), créé en 2019 avec les membres de Darc, établissement de soutien aux personnes souffrant d’addiction situé à Kyoto.

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KUJIRAI Kentarô and OKUYAMA Barabbas

KUJIRAI Kentarô

Danseur, eurythmiste et chorégraphe. Né en 1980 à Sendai dans le département de Miyagi. Se forme auprès de KASAI Akira. Dirige KENTARO KUJIRAI Konpeito. Basé à Tokyo et à Sendai, il y organise des spectacles et des ateliers. Il déploie également ses activités au sein de différents groupes tels que CORVUS, Eureka!!Project, KENTARO KUJIRAI & BARABBAS OKUYAMA. S’impliquant dans de nombreuses collaborations avec des artistes d’un autre domaine d’expression, poètes, peintres, photographes, musiciens, chorales, il présente des œuvres originales au-delà des frontières entre les genres. A reçu le 50e Prix de l’Association des critiques de butô pour le meilleur jeune danseur, ainsi que le Prix des arts du département de Miyagi dans la catégorie jeune danseur en 2019.

Site officiel de KUJIRAI Kentaro: http://kujiraikentaro.com

OKUYAMA Barabbas

Intègre la compagnie Dairakudakan en 2001 et se forme auprès de MARO Akaji. Il participera ensuite à toutes les représentations de Dairakudakan. En 2016, il prend son indépendance. Relevant le défi de se tenir sur la scène comme un simple point, il a ces dernières années présenté une série de pièces en solo. Il a participé à des représentations de Josef NADJ, de KASAI Akira, d’ITO Naoko, de HIRAYAMA Motoko, de KASAI Mitsutake, de KURODA Ikuyo, de KUJIRAI Kentarô, de Gekidan Karagumi, de Shinjuku Ryôzanpaku, de Project Nyx, ainsi qu’à de nombreux festivals internationaux.
Si le butô reste l’axe principal de son travail sur le corps, il déploie une activité qui n’est limitée à aucun genre particulier, mêlant danse, théâtre et œuvres vidéo. Autour du thème qu’il a choisi, comment se tenir debout avec tension et vigueur, il poursuit son exploration de nouvelles possibilités du corps.

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Ella Rothschild / OHMAKI Shinji

Chorégraphie, mise en scène : Ella Rothschild

Née en 1984 en Israël. Chorégraphe, artiste pluridisciplinaire, danseuse. A travaillé au sein de la Inbal Pinto and Avshalom Pollak Dance Company ainsi que de la Batsheva Dance Company sous la direction d’Ohad Naharin. Aujourd’hui, elle danse pour Kidd Pivot, dirigée par Crystal Pite. A compter de 2010, elle s’engage dans la création d’œuvres en collaboration avec des artistes de nombreux domaines. En 2016, elle reçoit le Prix Rosemblum pour les arts scéniques de la ville de Tel Aviv, en 2017, elle est récompensée par le Prix du ministère israélien de la Culture. Parmi ses créations récentes, on peut citer Futuristic Space donné en ouverture de Yokohama Dance Collection 2019, Jinruishi (L’histoire de l’humanité), produit par le Kanagawa Arts Theater et réalisé conjointement avec le metteur en scène TANI Kenichi, Summer Snow et on the edge of nowhere pour la compagnie Batsheva.

Décor : OMAKI Shinji

Né en 1971 dans le département de Gifu. Il déploie son activité créatrice à partir de la question : qu’est-ce que l’existence ? Avec l’espace, le temps, la gravité et la mémoire pour mots clés, il a recours aux matériaux et aux méthodes les plus divers et s’efforce de créer un espace-temps physique pour s’approcher au plus près de l’existence, floue et insaisissable. Depuis qu’Opened Eyes Closed Eyes a été sélectionné dans le cadre de Tokyo Wonder Wall 2000, il a réalisé plusieurs séries toujours avec différents matériaux et méthodes : Echoes (Shiseido Gallery, Art Tower Mito, Contemporary Art Museum Kumamoto, Museum of Contemporary Art of Tokyo), Liminal Air (Tokyo Wonder Site, Gallery A4, Musée d’art contemporain du 21e siècle de Kanazawa, Asia Pacific Triennial 2009, Hakone Open Air Museum), Memorial Rebirth (Yokohama Triennale 2008). Ces dernières années, il présente son travail dans le monde entier, avec des installations pour Hermès (magasin de la rue de Sèvres), le défilé de mode de Louis Vuitton, ainsi que dans le cadre de Yokohama Dance Collection 2019, et avec des projets d’art public à IJIst (Pays-Bas), à Shanghai (Chine) et au Japon.

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Port B / Akira Takayama

TAKAYAMA Akira

Metteur en scène, artiste. Né en 1969. En 2003, il forme le groupe de théâtre Port B. Réalise de nombreux projets dont Wagner Project, McDonald’s Radio University, Hetorotopia Project, et Kanzen hinan Manual (Manuel complet d’évacuation). Artiste associé au théâtre Künstlerhaus Mousonsturm de Francfort depuis 2014. A participé au Festival/Tokyo, au Festival Wiener Festwochen, au Kunsten Festival des Arts, à des expositions à la Maison Hermès de Ginza, au Mori Art Museum, au Musée Tai Kwun, au Musée d’art contemporain du 21e siècle de Kanazawa, ainsi qu’à des festivals d’art, notamment la Triennale de Yokohama, la Biennale de Sharjah, la Biennale de Sydney et la Triennale d’Aichi.
http://www.portb.net

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ISHINHA

Fondée en 1970, ISHINHA est une troupe théâtrale basée à Osaka. A compter de la pièce Shônen-gai (Le quartier des jeunes gens) qui date de 1991, elle établit le style dit « jan-jan opera » : la plupart des dialogues sont découpés en mots récités dans le dialecte d’Osaka suivant une prosodie de 5 ou 7 temps. La troupe recherche le caractère éphémère de l’expression hors les murs ; sur une île reculée, dans la montagne ou dans un espace vide de la ville, elle aménage elle-même des théâtres de plein air, avec non seulement leur scène et leurs fauteuils, mais aussi un hébergement. Dans un gigantesque espace théâtral qui intègre le paysage extérieur, danses groupées où plusieurs dizaines d’acteurs sont parfaitement à l’unisson et expression polyphonique sur des motifs comme les migrants ou la dérive constituent ses traits distinctifs. Après la disparition en 2016 de son directeur, MATSUMOTO Yûkichi, la troupe donne une dernière représentation AMAHARA en 2017 à Kaohsiung, à Taiwan, avant de se dissoudre.

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HORI Natsuko / OTA Shôgo

HORI Natsuko

Actrice, metteur en scène. Membre de la compagnie Seinendan.
Se forme auprès de HIRATA Oriza alors qu’elle est encore étudiante à l’Université J.F. Oberlin.
Intègre la compagnie Seinendan en 2005. Joue dans de nombreuses productions parmi les plus connues de la compagnie comme Tokyo Notes et Souru Shimin (gens de Séoul) ainsi que dans de nouvelles pièces.
En 2019, elle fonde son propre groupe, Hori Kikaku
Elle travaille sur des compositions et des mises en scène sur le thème de la mort et l’absence.
En 2019, reprend Tokyo Notes (de HIRATA Oriza).
En 2020, elle présente Mizu no eki (Le Point d’eau), 2e production de Hori Kikaku.

OTA Shôgo

Dramaturge, metteur en scène. Né en 1939 à Jinan en Chine. Inscrit à la faculté d’économie de l’Université Gakushûin, il ne termine pas ses études. Une pièce écrite quand il était lycéen est montée par le club de théâtre de l’université, lui donnant l’occasion de se lancer dans le théâtre. En 1968, il fait partie des fondateurs de la compagnie Tenkei Gekijô, qu’il dirige à compter de 1970. La même année, Noriai jidôsha no ue no kokonotsu no jôkei (9 scènes dans un autobus), écrit comme scénario d’un spectacle, sera sa première pièce. Komachi Fûden (L’Histoire de Komachi racontée par le vent), créée en 1977 sur une scène de nô, est récompensée en 1978 par le 22e prix Kishida Kunio pour la meilleure pièce. Tenkei Gekijô remportera le 19e prix Kinokuniya pour la meilleure troupe en 1984 mais se séparera en 1988. En 1990, OTA devient le premier directeur artistique du Civic Theater du Shônandai Culture Center (à Fujisawa dans le département de Kanagawa) (il démissionnera en 2000). Parmi ses œuvres les plus connues, on peut citer : Mizu no eki (Le Point d’eau) et ↑Yajirushi (↑La Flèche). Il a pris part à de nombreux projets conjoints et représentations à l’étranger, il a également publié des écrits théoriques sur le théâtre, notamment Hishô to kensui (Envol et suspension) (1975).
Il est mort en 2007, à l’âge de 67 ans.

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Cigare Sisters / MAEDA Shirô

Cigare Sisters

Le groupe Cigare Sisters réunit SHIIBASHI Ayana et MIYABE Junko. Leur entourage leur disait qu’elles se ressemblaient tant par leur visage que par leur allure ; ainsi MIYABE, membre de la compagnie Gotandadan dirigée par MAEDA Shirô, et SHIIBASHI, conteuse de Rôkyoku, ont-elles été conduites à former ce groupe en 2016 à l’occasion de la représentation de Oyasumanasai (Je ne te souhaite pas bonne nuit !). Créée en 2003 par le groupe Gotandadan, cette pièce est un dialogue entre deux personnages écrit MAEDA Shirô.

MAEDA Shirô

Né en 1977, dramaturge, metteur en scène, acteur, romancier, réalisateur, scénariste. En 1997, il fonde la compagnie de théâtre Gotandadan. Il reçoit le 52e prix Kushida Kunio pour la meilleure pièce en 2007 avec Ikiteru mono wa inainoka (Personne en vie ?) et continue depuis à diriger la compagnie en tant que dramaturge et metteur en scène. Son roman Natsu no mizu no hangyojin (La Sirène dans l’eau de l’été) reçoit le 22e prix Mishima Yukio en 2009. En 2007, Gurêto seikatsu adobenchâ (La Grande aventure du quotidien) est sélectionné pour le 137e prix Akutagawa, en 2017, c’est au tour de Ai ga hasamiuchi (L’Etau de l’amour) sélectionné pour le 158e prix Akutagawa. Son scénario du téléfilm Okaimono (Les commissions) pour la NHK reçoit le 46e prix Galaxy, son scénario du feuilleton Toho nana fun (7 minutes à pied) pour la NHK est récompensé par le prix Mukôda Kuniko. Le succès de ses spectacles, de ses romans et de son travail pour la télévision font de lui un auteur remarqué. En 2013, il fait ses débuts de réalisateur en adaptant au cinéma son propre roman, The Extreme Sukiyaki, en 2016, Fukigen na kako (Un passé maussade) lui vaut le prix du meilleur jeune réalisateur à la 8e édition des prix TAMA, et il est invité au 19e festival international du cinéma de Shanghai. C’est aujourd’hui un des artistes les plus suivis de par la diversité considérable de ses activités.

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ONODERA Shûji × SHUTO Yasuyuki

ONODERA Shûji

Se forme au mine à l’Institut du mine du Japon. Entre 1995 et 2006, il mène ses activités au sein du groupe Performance Theater Mizu to abura. Il séjourne ensuite un an en France dans le cadre du programme d’études à l’étranger pour jeunes artistes de l’Agence des affaires culturelles. A son retour, il met sur pied la Company Derashinera. Partant de la gestuelle du mine, ses mises en scène originales attirent un public de toutes les générations. Il a reçu le 3e Prix du Dance Forum, et a été récompensé par le 18e prix du théâtre Yomiuri de la meilleur équipe. Ces principales productions ces dernières années comptent notamment : le 4e spectacle de la série RooTS, Ano ôgarasu, sae mo (Même ce grand corbeau), Fushigi na kuni no arisu (Alice au pays des merveilles), le 9e projet de la série Nôs contemporains, Taketori, (Le Coupeur de bambou), ainsi que Mitateru (Observer) dans le cadre de la Yokohama danse collection 2019. En 2015, il est nommé ambassadeur pour les échanges culturels par l’Agence des Affaires culturelles.

SHUTO Yasuyuki

Intègre la compagnie Tokyo Ballet à l’âge de 15 ans, tient son premier rôle principal à 19 ans. En tant que premier danseur, il interprète de nombreuses pièces classiques ainsi que les œuvres des plus célèbres chorégraphes contemporains : Le Boléro ainsi que M de Maurice Béjart, les œuvres de Jiri Kylian ou John Neumeier. Après son départ de la compagnie en 2004, il n’en continue pas moins à tenir le premier rôle dans les pièces de chorégraphes et metteurs en scènes japonais et étrangers, SWAN LAKE de Matthew Bourne ou Apocryphe de Sidi Larbi Cherkaoui, et il produit aussi ses propres spectacles. Ces dernières années, il a élargi son domaine d’expression, apparaissant au cinéma et dans des téléfilms. Il a reçu de nombreux prix dont le 62e Prix des arts du ministre de l’Education.

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LOLO

Dirigée par le dramaturge et metteur en scène MIURA Naoyuki, la compagnie de théâtre LOLO a été formée en 2009. Depuis 2015, elle présente Itsukô, une série de dix pièces avec une distribution d’ensemble. Les pièces qui se déroulent dans un lycée font chacune moins d’une heure. Le projet a pour objectif de donner un nouveau souffle à la pratique du théâtre dans les lycées : le texte des pièces est disponible gratuitement afin que les lycéens puissent s’en servir facilement dans leurs spectacles, et l’accès aux représentations de la compagnie est gratuit pour le jeune public jusqu’au lycée compris. Contraction de Itsu datte okashii hodo dare moga dareka aishi aisarete daisan kôtô gakkô (Le lycée 3 où, comme c’est curieux, il y a toujours quelqu’un qui est amoureux ou est aimé de quelqu’un), Itsukô, une série de pièces avec une distribution d’ensemble.

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MARUYAMA Junko / Young Doo JUNG

Décors, mise en scène : MARUYAMA Junko

Diplômée en 2002 du département beaux-arts du Hunter College de l’Université de la ville New York. Travaillant à partir de concepts de circulation et de recyclage, elle utilise des matériaux malléables, déchets, crèmes glacées, plastique ou savon, pour faire circuler la matière sous différentes formes. Elle explore ainsi la démarcation entre existence et inexistence. Elle produit avec différents médias, employant des modes d’expression variés : dessin, sculpture, installation ; elle s’engage également dans des collaborations avec d’autres formes d’art. En 2004, elle reçoit le 2e prix Free Art Free, en 2007, elle bénéficie d’une subvention de la Fondation Oki pour l’aide aux artistes, en 2009, elle obtient le prix spécial du jury du programme d’échanges Taipei-Yokohama, en 2021, elle part étudier en Allemagne avec une aide de l’Agence des Affaires culturelles.

Chorégraphie, mise en scène : JUNG Young Doo

Né en Corée. Commence à danser à 20 ans passés alors qu’il a déjà une carrière d’acteur derrière lui. Il est reconnu pour son approche sophistiquée de la danse, la clarté de ses concepts et la délicatesse de ses gestes. Il a reçu le Prix de la Fondation des arts et de la culture de Yokohama ainsi que le Prix de meilleur jeune chorégraphe de l’ambassade de France à l’occasion de Solo×Duo Competition de Yokohama Dance Collection en 2004. L’un des meilleurs chorégraphes coréens, basé en Corée et au Japon, il mène une carrière internationale.

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Baobab

La compagnie a été fondée en 2009. Son directeur, KITAO Wataru, chorégraphie, conçoit et met en scène toutes les œuvres. Porteuses d’un élan particulier, à la fois naturel et rythmique, ses chorégraphies se distinguent par d’impressionnantes compositions de groupe.
La compagnie a déjà produit treize spectacles par elle-même, et a participé à de nombreux festivals au Japon et à l’étranger, notamment le Tokyo Festival 2021, Dance New Air, San Francisco International Arts Festival 2018 ainsi que le programme officiel de KYOTO EXPERIMENT 2013.
En outre, elle mène des projets qui ont vocation d’insuffler un nouveau dynamisme au monde de la danse, organisant depuis 2016 le Festival biennal Dance×Scrum!!! où se produisent de jeunes artistes.
KITAO Wataru a reçu de nombreux prix et a été sélectionné dans la catégorie « Outstanding Performer » des Bessie Awards de New York en 2020. Depuis 2021, il fait partie du jury du Concours Yokohama Dance Collection Competition II.

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MARO Akaji

Né en 1943 dans le département de Nara.
En 1965, rejoint la compagnie Jôkyô Gekijô de Kara Jûrô. Acteur incarnant la théorie du « corps privilégié » de Kara, il est à l’origine de bouleversements fondamentaux sur la scène théâtrale des années 1960-70 où il exerce une influence considérable. En 1966, parallèlement à son activité d’acteur, il devient l’élève de Hijikata Tatsumi, fondateur du butô. En 1972, il fonde la compagnie Dairakudakan et donne au butô un style spectaculaire à l’extrême, utilisant d’imposants dispositifs. Ce style qu’il baptise Tenputenshiki (« Être venu au monde, c’est faire preuve d’un grand talent ») rencontre un large écho au Japon et à l’étranger, le mot de « Butoh » se diffuse à travers le monde. Sans cesser de présenter de nouvelles créations, il s’investit beaucoup dans la formation de jeunes artistes, nombre de groupes de butô et de danseurs l’ont eu pour maître. Doué d’une présence particulière au cinéma, à la télévision et sur la scène, il s’est taillé une place à part, au-delà des genres.
Il reçoit le Prix de l’Association des critiques de butô en 1974, 1987, 1996, 1999, 2007, 2012, 2020.
En 2006, Prix du directeur de l’agence des Affaires culturelles.
En 2013, Grand Prix du 7ème Forum de la Danse.
En 2016, 64ème Prix de l’art de la danse du journal Tôkyô shinbun.
En 2018, 55ème Grand Prix de la critique, prix de la critique du meilleur livre sur la danse (France).
En 2018, 1er prix Taneda Santôka des éditions Shunyôdô.

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NAKAMURA Shidô II

Acteur de kabuki. Né en 1972 à Tokyo. Son grand-père, Nakamura Tokizô III, est considéré comme un des meilleurs acteurs de rôles féminins du milieu du 20e siècle. Son père Mikio est le troisième fils de Tokizô. Parmi ses oncles, figurent des acteurs de cinéma comme Yorozuya Kinnosuke I et Nakamura Katsuo. Il a fait ses début sur scène à l’âge de 8 ans au théâtre Kabukiza, et il a pris le nom de Nakamura Shidô qu’il est le deuxième à porter.
Certains rôles semblent faits pour lui : dans Kenuki, La pince à épiler, il incarne le personnage de Danjô en apportant toute la démesure voulue au style rude (aragoto), dans La mère sous les paupières, il donne une interprétation très sensible de Chûtarô se languissant de la mère dont il est séparé. Au kabuki, il relève le défi de passer des classiques à des créations : en 2015, il a joué le rôle principal dans une nouvelle pièce de tirée d’un livre d’images, Une nuit de tempête, à partir de 2016, il a commencé à se produire avec la chanteuse virtuelle Hatsune Miku dans des représentations de super kabuki, associant le kabuki et la technologie la plus moderne.
Il est aussi très présent au cinéma, tant dans des films d’époque que des films à thématique contemporaine et des téléfilms. Il a joué dans des productions étrangères comme Les trois royaumes (Red Cliff) ou Lettres d’Iwo Jima. Il est toujours en mouvement, au Japon et à travers le monde.
Son rôle de Dragon dans Ping Pong (2002) lui a valu cinq prix dont le Prix du meilleur espoir de l’Académie du Japon. Il a également reçu le 40ème Prix Golden Arrow du meilleur espoir (cinéma), le 45ème Prix Blue Ribbon du meilleur espoir, le 12ème Prix de la critique pour le meilleur espoir, le 57ème Prix du concours Mainichi Sports Nippon pour le meilleur espoir. En 2003, il reçoit le 20ème Grand Prix du spectacle d’Asakusa pour le meilleur espoir.

Titres sur STAGE BEYOND BORDERS：
https://stagebb.jpf.go.jp/fr/stage/kabuki-the-legacy-of-eccentric-spectacle

https://stagebb.jpf.go.jp/fr/stage/japanese-traditional-performing-arts-discovering-with-new-eyes

Mamagoto

Fondée en 2009 par le dramaturge et metteur en scène SHIBA Yukio, la troupe de théâtre mamagoto a fait ses débuts comme unité indépendante au sein de la compagnie Seinendan.
Sa première représentation a été la création de Waga hoshi (Ma planète), récompensée par le 54e prix KISHIDA Kunio pour la meilleure pièce (2010).
En 2011, elle a repris la pièce et l’a présentée en tournée dans six villes du Japon. Elle l’a reprise une nouvelle fois à Tôkyô et sur l’île de Shôdoshima en 2015. Il s’agit de la pièce la plus appréciée de SHIBA Yukio.

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Romeo Castellucci

Metteur en scène, créateur de décors, d’éclairages et de costumes, Romeo Castellucci est mondialement connu pour ses créations théâtrales qui relèvent de la totalité des arts et visent à une perception intégrale de l’œuvre.
Après avoir été directeur de la section théâtre de la Biennale de Venise, artiste associé au Festival d’Avignon, il est actuellement Grand Invité à la Triennale de Milan et directeur invité du théâtre Schaubühne à Berlin.
Chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres de la République française, doctorat honoris causa à l’Université de Bologne, membre de l’Académie royale de Belgique. Lion d’or à la Biennale de Venise, Prix du Masque d’or.

Titres sur STAGE BEYOND BORDERS：
https://stagebb.jpf.go.jp/fr/stage/from-kenji-miyazawa-yumenoshima-the-phenomenon-called-i

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AMEYA Norimizu

Dramaturge, metteur en scène et artiste de performance. En 1983, il fonde la troupe Tokyo Grand Guignol. Il se fait connaître par ses performances originales entre les blocs de fer et de béton d’une usine désaffectée. Ensuite, changeant de domaine d’activité, il se consacre à l’art contemporain, avant de s’éloigner de la création à compter de 1995. Cependant, il revient au théâtre en 2007 dans le cadre d’un projet de SPAC, Tenkôsei (La nouvelle). Il reprend alors ses nombreuses activités créatives. En 2014, Blue Sheet remporte le 58e prix KISHIDA Kunio pour la meilleure pièce de théâtre.

Titres sur STAGE BEYOND BORDERS：
https://stagebb.jpf.go.jp/fr/stage/from-kenji-miyazawa-yumenoshima-ground

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Kids Launch Project

« Les adultes ne pourraient-ils pas faire une œuvre à partir des idées des enfants ? » Le projet a démarré en 2017 avec cette question du directeur artistique du Tokyo Metropolitan Theatre, NODA Hideki. Il s’agit pour les adultes de prendre au sérieux les trouvailles des enfants. Les adultes sont en l’occurrence trois : IWAI Hideto, auteur, metteur en scène et acteur, MORIYAMA Mirai, acteur et danseur, MAENO Kenta, auteur-compositeur-interprète et acteur. Ils ont multiplié les ateliers avec les enfants pour aboutir à cette création.

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contact Gonzo

Groupe fondé en 2006. Le groupe a construit une théorie originale d’un sublime rustique, dont le point de départ réside dans les chocs entre les corps. Il produit des performances improvisées, des œuvres vidéo et photographiques, et rédige un magazine. contact Gonzo désigne à la fois le groupe et la méthodologie que les membres s’emploient à mettre en œuvre. En arrière-plan de cette approche : la montagne. Le groupe a bénéficié du soutien de la Fondation Saison entre 2011 et 2018.

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Monochrome Circus (Kyoto)

Basée à Kyoto et dirigée par SAKAMOTO Kôsei, Monochrome Circus est une compagnie de danse présente sur la scène internationale. Outre de nombreuses pièces pour salle de spectacle, elle a aussi élargi son champ d’activité afin de diffuser et de développer le « contact improvisation » : sortant des théâtres, elle se sert d’autres espaces et objets : meubles, communauté locale, rues commerçantes, architectures ou paysages. Elle a présenté ses créations au Japon, en Europe, aux Etats-Unis, et dans plus d’une dizaine de pays de l’Asie, participant au Festival d’automne de Paris, au Bates Dance Festival, au Hong Kong Art Festival et à la Triennale de Setouchi. En 2002, SAKAMOTO Kôsei a bénéficié de l’aide de l’Asian Cultural Center pour un séjour d’études à New York. En 2007, il a reçu le prix du meilleur jeune artiste de la ville de Kyoto.

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KASAI Akira / Kaibunsha

KASAI Akira : dans les années 60, alors qu’il est encore tout jeune, il se lie avec HIJIKATA Tatsumi et ONO Kazuo, et donne de multiples spectacles de butô en solo. Dans les années 70, il dirige Tenshikan et forme nombre de danseurs de butô. Entre 79 et 85, il séjourne en Allemagne pour étudier l’eurythmie. Après avoir regagné le Japon, il se tient 15 ans durant à l’écart du butô mais fait son retour avec Seraphita. Depuis, il se produit fréquemment au Japon et à l’étranger et s’impose comme le « Nijinsky du butô ».
Kaibunsha : fondé en 1985 en tant que structure de planification et de production de représentations d’arts de la scène. Entre 92 et 97, chargé de l’organisation des projets du Shônandai Civic Theater. Organise les spectacles de KASAI Akira, de MUROBUSHI Kô et de Dumb Type au Japon et à l’étranger et contribue aux échanges internationaux dans le domaine des arts de la scène.

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Nibroll

Nibroll est un groupe d’artistes réunis autour de YANAIHARA Mikuni. Il se consacre à la création en recherchant toujours les possibilités marginales de l’expression, loin du modèle de la danse où tous les protagonistes se meuvent parfaitement ensemble. YANAIHARA a été récompensée par le plus célèbre prix de théâtre du Japon, et les éléments théâtraux sont omniprésents dans Romeo OR Juliet. Les vidéos de TAKAHASHI Keisuke et la musique de SKANK ne sont pas de simples ornementations scéniques : donnant une traduction concrète au concept de l’œuvre, elles lui confèrent plus d’intensité.

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MORIYAMA Kaiji × HIBINO Kozue × KAWASE Kôsuke

MORIYAMA Kaiji

Né en 1973 dans le département de Kanagawa. Après avoir été qualifié de « l’un des danseurs les plus talentueux de l’année » au Festival d’Edimbourg en 2001, il commence à présenter des pièces qu’il chorégraphie et met en scène lui-même. En 2005, le New York Times qualifie KATANA de « danse incroyable interprétée par un danseur époustouflant ». En 2007, il est invité à la Biennale de Venise. En 2013, L’Univers du mandala reçoit le Prix des arts du ministre de l’Education pour les jeunes artistes et trois autres prix. Il est nommé ambassadeur pour les échanges culturels par l’agence des Affaires culturelles. En 2018, tournée dans 17 villes du Japon avec Alice au pays des merveilles. En 2019, première mise en scène d’opéra avec Don Giovanni. En 2020, chorégraphie, mise en scène, décor et costumes de Ryûgû, la Princesse-Tortue pour la troupe du Nouveau Théâtre national. En 2021, mise en scène de Only the Sound Remains, opéra de Kaija Saariaho. Déploie une activité intense sur toute une variété de supports, à la fois comme danseur et comme chorégraphe.

HIBINO Kozue

Costumière. Née dans le département de Shizuoka. Diplômée du département de design de l’université des Arts de Tokyo. En tant que costumière, travaille dans de nombreux domaines : publicité, théâtre, danse, danse classique, cinéma ou télévision. A réalisé les costumes de Jouons avec le japonais, émission diffusée sur la chaîne éducative NHK E Télé. A réalisé les costumes de nombreux spectacles dont les pièces de Noda Hideki ainsi que les mises en scène et chorégraphies de Moriyama Kaiji, Circus (Nouveau Théâtre national) et Le Petit prince (KAAT, théâtre artistique de Kanazawa).

KAWASE Kôsuke

Compositeur et artiste. Né à Kyôto en 1970, a grandi à Tôkyô. Compose des œuvres qui, sans se limiter à l’expression musicale, associent aux sons des éléments visuels tels que la lumière. En 2010, son œuvre la plus connue Bearings Glocken II est sélectionnée par le jury du domaine art du Media Festival de l’agence des Affaires culturelles. En 2013, il sort trois albums en rapport avec la série LIVE BONE.

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SHUTÔ Yasuyuki × NAKAMURA Megumi

NAKAMURA Megumi

Part pour l’Europe après avoir obtenu le prix Niveau professionnel au Concours international de danse de Lausanne. Rejoint les Ballets de Monte Carlo, puis le Nederlands Dans Theater dirigé par Jiří Kylián, et prend part aux créations des plus grands chorégraphes mondiaux. Après avoir quitté la troupe, elle forme d’autres danseurs aux œuvres de Kylián, et enseigne dans de nombreuses écoles de danse à travers le monde, dont l’Opéra de Paris. En 2007, elle s’installe au Japon et se consacre à la chorégraphie. Elargissant son champ d’activité, elle produit notamment des œuvres pour la compagnie de Ballet du Nouveau Théâtre national. A reçu de nombreux prix dont le Prix des arts du ministre de l’Education, est décorée de la médaille au ruban pourpre.

SHUTÔ Yasuyuki

Entre à 15 ans dans la Compagnie de danse de Tokyo, et tient son premier rôle principal à l’âge de 19 ans. En tant que premier danseur, il apparaît dans de nombreuses œuvres du répertoire classique mais aussi dans les œuvres de célèbres chorégraphes contemporains, Maurice Béjart – Le Boléro, M – Jiří Kylián ou John Neumeier. Après avoir quitté la compagnie en 2004, il continue à danser le rôle principal dans des œuvres de chorégraphes et de metteurs en scène japonais et étrangers, telles que Swan Lake de Matthew Bourne, ou Apocrifu de Sidi Larbi Cherkaoui. Il apparaît également dans ses propres productions. Ces dernières années, il élargit son expression à d’autres formes, jouant dans des films et des téléfilms. Il a obtenu de nombreux prix, dont le 62ème Prix des arts du ministre de l’Education.

AOKI Naoya

Commence la danse à l’âge de 16 ans. Appartient au groupe Noism entre 2004 et 2008. Présente Tagaini_so (Réciprocité première) à l’Association de danse du Japon. Il obtient le grand prix du Festival ainsi que le prix du ministre de l’Economie et de l’Industrie au Dance Summit in Japan 2017. Il lance le « projet Aoki Naoya Group Work ». Ces dernières années, il travaille dans une perspective plus large sur ce que la danse peut apporter à la société, il va donner des leçons dans les écoles primaires et organise des ateliers dans les salles publiques des collectivités locales.

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TAKEMOTO Oritayu VI, TSURUSAWA Seisuke, KIRITAKE Kanjûrô III

TAKEMOTO Oritayu VI

Récitant de la troupe Bunraku-za de théâtre de marionnettes Ningyô Jôruri. Né en 1975 à Osaka. Son grand-père était le joueur de shamisen Tsurusawa Dôhachi II, son grand-oncle, Tsurusawa Seiroku IV, son oncle est Tsurusawa Seiji, son jeune frère, Tsurusawa Seiki. En 1983, il devient disciple du récitant Toyotake Sakitayu et prend le nom de Toyotake Sakihodayu. En 1986, il fait ses débuts sur scène dans la petite salle du Théâtre national de bunraku. En 2018, il reprend le nom de Takemoto Oritayu, devenant ainsi le sixième à le porter. Outre les représentations périodiques au Théâtre national de Bunraku et au Théâtre national, il prend part aux tournées à l’étranger et au Japon. Il participe régulièrement à l’émission Jouons avec le japonais sur la chaîne éducative de la NHK E Télé, œuvrant ainsi pour la diffusion du bunraku. Mène de nombreuses activités pour amener un nouveau public au bunraku. Il a reçu de nombreux prix : le Prix Sakuya kono hana en 2011, le Prix Matsuo de jeune espoir du spectacle en 2013, le Grand Prix du Festival de la culture d’Osaka en 2013, le Prix New Power de la région culturelle du Kansai en 2018, le Prix d’excellence du bunraku du Théâtre national en 2019.

TSURUSAWA Seisuke

Joueur de shamisen de la Troupe Bunraku-za de théâtre de marionnettes Ningyô Jôruri. Né à Osaka en 1952. Devient disciple de Tsurusawa Dôhachi II en 1973, en 1974, adopte le nom de Tsurusawa Seisuke et fait ses débuts en scène au théâtre Asahi d’Osaka. A la suite de la disparition de son maître, il devient disciple de Tsurusawa Seiji. Outre les représentations périodiques au Théâtre national de bunraku et au Théâtre national, il prend part aux tournées à l’étranger et au Japon. Il participe régulièrement à l’émission Jouons avec le japonais sur la chaîne éducative de la NHK E télé, afin de contribuer à la diffusion du bunraku. Il est également impliqué dans la reconstitution à partir d’anciennes partitions de morceaux qui ne sont plus transmis, il entreprend aussi de composer l’accompagnement de nouvelles pièces. Il a reçu de nombreux prix : le Prix d’encouragement du Festival de la culture d’Osaka en 1987, le Prix Matsuo de jeune espoir du spectacle en 1994, le Grand Prix bunraku du Théâtre national en 1999, le Prix des arts du ministre de l’Education pour les jeunes artistes en 2002, le Prix d’encouragement pour les arts scéniques d’Osaka en 2002, le Prix spécial bunraku du Théâtre national en 2013, la Distinction citoyen d’Osaka en 2016, le Prix de l’Académie des arts du Japon et le Prix impérial en 2018, la décoration de la médaille du ruban pourpre en 2020.

KIRITAKE Kanjûrô III

Marionnettiste de la troupe Bunraku-za de théâtre de marionnettes Ningyô Jôruri. Né en 1953. Son père était Kiritake Kanjûrô II (trésor national vivant). Devient stagiaire dans la section marionnettes de l’Association de bunraku en 1967. Devient disciple de Yoshida Minosuke III en 1968, et prend le nom de Yoshida Minotarô. Fait ses débuts en scène au Mainichi Hall d’Osaka en 1968. Devient Kiritake Kanjûrô III, en 2003. Excelle aussi bien dans les rôles masculins que dans les rôles féminins, ayant appris les premiers auprès de son père et les seconds auprès de son maître, interprète renommé des personnages de femme. Outre les représentations périodiques au Théâtre national de Bunraku et au Théâtre national, il prend part aux tournées à l’étranger et au Japon. Il participe régulièrement à l’émission Jouons avec le japonais sur la chaîne éducative de la NHK E Télé, afin de contribuer à la diffusion du Bunraku. Il a reçu de nombreux prix : le Prix des arts du ministre de l’Education en 2008, la médaille du ruban pourpre et le Prix de l’Académie des arts du Japon en 2010, le Prix de la culture d’Osaka en 2012, le Prix Mainichi des arts en 2016, le Prix Pola des arts scéniques traditionnels en 2018.

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NOMURA Mansai

Acteur de Kyôgen. Né en 1966 à Tokyo. Il se forme auprès de son grand-père, le défunt Nomura Manzô VI, et auprès de son père, Nomura Mansaku. Il figure parmi un groupe d’acteurs désignés comme détenteurs d’une culture immatérielle importante. Dirige la troupe Kyôgen Gozaru no Za. Il participe à de nombreux spectacles de Kyôgen et de Noh au Japon comme à l’étranger, contribuant ainsi la diffusion de cet art. Parallèlement, il joue le premier rôle dans des pièces de théâtre contemporaines, au cinéma et dans des téléfilms, il met en scène des œuvres où il mobilise avec une grande habilité des procédés classiques, telles Atsushi – Sangetsu-ki. Meijinden (Atsushi – La Lune sur la montagne. La Légende du maître), Kuninusubito (L’Usurpateur) et Shigosen no matsuri (Le Rite du méridien). Il participe à l’émission Jouons avec le japonais de la chaîne éducative de la NHK, E Télé. Partout, il déploie un talent exceptionnel et contribue grandement à la notoriété du Kyôgen. En tant qu’acteur de Kyôgen vivant à l’époque actuelle, il s’interroge sur la place de ce genre théâtral à travers tous ses domaines d’activité. En 1994, il part pour l’Angleterre, bénéficiant du système de formation des artistes à l’étranger de l’agence des Affaires culturelles. Il a reçu le Prix du meilleur espoir ainsi que le Prix d’excellence du Festival des arts, le Prix des arts du ministre de l’Education pour les jeunes artistes, le Prix des arts scéniques Asahi, le Prix Kinokuniya du théâtre, le Prix Senda Koreya du journal Mainichi, le Grand Prix de la meilleure pièce du quotidien Yomiuri.

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KATAYAMA Kurôemon X

Shite (acteur principal) de Noh. Fils aîné de Katayama Yûsetsu (Katayama Kurôemon IX), né à Kyoto en 1964. Sa sœur aînée, Inoue Yachiyo V, est à la tête de l’école de danse Kyômai d’Inoue. Il est formé par son père et par Kanze Tetsunojô VIII. Il dirige les représentations de Noh Katayama qui sont programmées périodiquement. Outre ses nombreuses tournées au Japon, il participe activement aux représentations de Noh données en Europe et aux Etats-Unis. Il se rend également dans les écoles pour des initiations au Noh, il a produit des livres d’images à partir de pièces de Noh ainsi que des images de synthèse de représentations, œuvrant ainsi pour la diffusion du Noh auprès d’un jeune public. En 2011, il a pris le nom de Katayama Kurôemon, qu’il est le dixième à porter. Avec d’autres acteurs, il a été désigné collectivement comme détenteur d’une culture immatérielle importante. Il a reçu de nombreux prix : Prix des arts de la ville de Kyoto pour le meilleur espoir, Prix du Festival des Arts de l’agence des Affaires culturelles pour le meilleur espoir, Prix de la culture du département de Kyoto, Prix des arts du ministre de l’Education pour les jeunes artistes, Prix de Noh de l’université Hôsei en mémoire de Kanze Hisao. Il préside l’Association Kanze de Kyoto reconnue d’intérêt public ainsi que la Fondation reconnue d’intérêt public pour la préservation du Noh de la famille Katayama et de la danse Kyômai.

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BATIK

Centrée sur les créations chorégraphiques de KURODA Ikuyo, la compagnie a été fondée en avril 2002. Elle a pris son véritable départ à la suite du Prix du Comité national, Plateforme de Yokohama de l’ancien Concours chorégraphique international de Bagnolet, obtenu en février 2002. Conservant comme base la technique de la danse classique, la compagnie met l’accent sur la danse même, alors que la scène contemporaine connaît une diversification des modes d’expression.
Avec ses chorégraphies radicales et dynamiques qui repoussent les limites du corps, elle rejoint la pulsion originelle de la danse et trouve son public au-delà des distinctions de genre. Parmi ses principales œuvres, citons : SIDE B (2002), SHOKU (Touch) (2004), Les fleurs s’écoulent, le temps se fige (2004, remanié en 2009), Last Pie (2005), Pendant Eve (2007), B… Bleue (2OO9), OTARUDORI (2012), Union-Réunion (2014), Ma vie avec la vague (2015). La compagnie ne se limite pas à son propre répertoire, elle travaille aussi avec des acteurs de théâtre et utilise la parole, comme dans La flèche et la chaîne (2009) ou Lumière dans les débris d’un miroir (2010).
Elle donne en outre de nombreuses représentations à l’étranger dans des festivals tels Dance Umbrella, la Biennale de Venise, l’Expo internationale de Saragosse ou le Singapore International Festival of Arts.

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SPAC – Shizuoka Performing Arts Center

Le Centre des arts de la scène du département de Shizuoka, fondation d’utilité publique (Shizuoka Performing Arts Center : SPAC) est le premier établissement culturel public du Japon à disposer de son propre théâtre et de son propre site de répétitions où acteurs, techniciens et équipes de production travaillent de concert. Ayant pour vocation la création et la représentation d’œuvres théâtrales, il permet aussi au public de découvrir le meilleur des arts de la scène et assure la formation d’artistes dans ce domaine.
Ses activités ont véritablement démarré en 1997, sous la conduite de Suzuki Tadashi, premier directeur artistique. En 2007, Miyagi Satoshi a pris la suite et a donné une nouvelle impulsion au projet. Outre la création et la représentation d’œuvres théâtrales ainsi que l’invitation d’autres compagnies, le Centre attache une importance particulière à sa mission de théâtre public à vocation éducative. Il donne des représentations pour les élèves du secondaire, poursuit ses activités de formation et de sensibilisation. En 2013, le 6ème Conseil des gouverneurs de département pour l’innovation politique a décerné au département de Shizuoka le « Grand Prix de l’innovation politique » pour le programme SPAC. Le Centre a reçu le prix Good Design de l’exercice 2018, son activité immatérielle étant distinguée pour la qualité de son design.

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WATANABE Hisashi

Chercheur sur le mouvement et le corps/ artiste de cirque
A partir de 20 ans, il apprend en autodidacte à jongler, à marcher sur les mains et à faire des contorsions, son activité qui intègre ces différents modes d’expression dépasse le cadre de la danse ou du cirque. Son approche du corps conservant une forte animalité, sa technique exigeante et sa philosophie originale sont très appréciées, il a présenté ses spectacles dans plus de 15 pays. Il enseigne également en ligne comment tenir en équilibre sur les mains et comment s’assouplir, il s’agit pour lui de transmettre l’attrait du corps et du mouvement à un public qui ne connaît pas la danse. En 2016, il est finaliste du prix de chorégraphie de TOYOTA. En 2017, il reçoit 3 prix au Festival de MASDANZA en Espagne, dont le Prix de l’Association artistique des Canaries. En 2018, il reçoit le Prix de la Fondation Elsur du nouvel espoir.

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UMEDA Hiroaki

A compter de 2002, il est invité à présenter ses chorégraphies dans de nombreux pays, notamment au Théâtre national de Chaillot à Paris. Il s’est produit dans plus de 40 pays et 150 villes. Plusieurs compagnies et festivals, notamment la Compagnie de danse de l’opéra de Göteborg ou le L.A. Dance Project, lui ont commandé des chorégraphies. Dans ses œuvres, il va au-delà de la chorégraphie et de la danse en réalisant également le son, le design des vidéos et de l’éclairage. Ces dernières années, il produit aussi des installations dont le thème central est la perception du corps. Ses œuvres vidéo sont projetées au 21_21 design sight, au NTT InterCommunication Center (ICC) ainsi que dans de nombreux festivals à travers le monde.


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OKADA Toshiki

Né en 1973 à Yokohama, réside à Kumamoto. Dramaturge, romancier, directeur de la compagnie chelfitsch.
Sa méthodologie qui fait la part belle à l’imagination pour mettre en valeur la relation particulière entre le langage et le corps ainsi que son regard critique sur la société contemporaine sont reconnus au Japon comme à l’étranger, et son travail suscite un vif intérêt. En 2005, il est récompensé par le 49ème prix Kishida Kunio pour « Cinq jours en mars ». C’est avec cette même pièce que la compagnie qu’il dirige, chelfitsch, fait ses débuts à l’étranger en 2007 ; depuis, elle s’est produite dans plus de 90 villes à travers le monde. OKADA a pris part à de nombreuses coproductions internationales des plus grands festivals et théâtres du monde. Récemment, il écrit et dirige des pièces de répertoire de théâtres publics européens tels que la Münchner Kammerspiele en Allemagne.
En 2018, il produit un spectacle en Thaïlande, Pratthana – un portrait de la possession adapté du roman de l’auteur thaï Uthis Haemamool. La pièce est représentée en août 2018 à Bangkok, en décembre de la même année à Paris, et entre juin et juillet 2019 à Tokyo. En février 2020, elle reçoit le Prix spécial du jury du 27ème Prix Yomiuri du théâtre.
Ces dernières années, OKADA travaille sur des pièces de nô traduites en japonais contemporain et sur des pièces conçues suivant le format du nô. En 2021, il a emprunté la structure du nô d’apparition pour produire « Le spectre et le monstre du regret –Zaha / Tsuruga – ». La pièce qui a pour thème l’architecte Zaha Hadid et le surgénérateur Monju a obtenu le 72ème Prix Yomiuri de la littérature dans la section théâtre et scénario ainsi que le 25ème prix Tsuruya Nanboku. Il continue d’élargir son champ d’activité, réalisant en 2021 sa première mise en scène d’opéra avec « Yûzuru (La grue du crépuscule) ».

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TANINO Kurô

Né en 1976 dans le département de Toyama. Dirige la compagnie Niwa Gekidan Penino, dont il est aussi le dramaturge et le metteur en scène. Chercheur associé à la Fondation culturelle Saison (jusqu’en 2015). Fonde la compagnie Niwa Gekidan Penino en 2000 alors qu’il est étudiant en faculté de médecine. Il est l’auteur et le metteur en scène de toutes les pièces jouées par la compagnie. Invité à de nombreux festivals, au Japon et à l’étranger, particulièrement en Europe. En dehors des spectacles de la compagnie, il a écrit et mis en scène en janvier 2011 Tchekhov ?!, une production du Tôkyô Metropolitan Theatre. Parvenant à exprimer la beauté d’un monde mental à la limite de la folie, la pièce reçoit un accueil favorable. En mars 2015, il présente un nouveau spectacle en Allemagne, La cage d’eau. En 2016, il reçoit le 60ème prix Kishida Kunio pour Avidya – L’Auberge de l’obscurité. En 2016, il reçoit le prix des arts du journal Kita-nihon, et le prix d’excellence du 71ème Festival des arts de l’agence des Affaires culturelles. En 2017, il initie le projet M avec l’artiste allemand Caspar Pichner dont il présente les réalisations au Japon et à l’étranger. En 2019, il reçoit le 36ème prix Toyama dans le domaine de la culture et des arts.

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IWAI Hideto

Forme la compagnie hi-bye en 2003.
Rejoint le département mise en scène de la compagnie Seinendan en 2007.
Il dirige la compagnie hi-bye qui décrit la famille, les hikikomori, le groupe et l’individu, les remous dans la conscience de soi des individus. Il dispose pour cela d’un point de vue de choix, celui de Koganei, une banlieue à la limite de Tokyo, où « l’on contemple avec fascination la mode et les tendances populaires tout en restant en recul ». En 2012, son téléfilm réalisé pour la chaîne NHK BS premium Venir au monde, mettre au monde et après reçoit le 30ème Prix Mukôda Kuniko, en 2013 Une femme obtient le 57ème Prix Kishida Kunio. Ses œuvres les plus connues sont : La main, Le hikikomori sort de chez lui, Les hommes. Ces dernières années, il a écrit et mis en scène Unique au monde pour Parco Produce, il a conçu et mis en scène Wareware No Moromoro (Nos histoires...), version Gennevilliers pour le Théâtre national de Gennevilliers en France, L’Histoire d’Odomo pour la chaîne éducative E Télé de la NHK. Comme acteur, il a joué dans la pièce Kirei – la femme qui a rendez-vous avec dieu. En 2020, il a lancé le projet « Et maintenant, lecture ! ».
Site officiel : https://ware.mobi/　http://hi-bye.net/

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Dumb Type

Fondé en 1984, ce collectif multidisciplinaire est composé d’artistes officiant notamment dans les domaines des arts visuels, de la vidéo, de la programmation, de la danse, de la musique, et du design. Les œuvres, produites par différents membres en fonction du projet, cherchent à s’émanciper du carcan des genres déjà établis, en créant un art multimédia explorant des formes d’expressions variées. Elles sont présentées dans les musées, théâtres ou centres culturels de nombreux pays. Sans directeur fixe, le collectif crée en se basant sur un modèle de collaboration horizontale entre les membres, et œuvre de cette façon unique, explorant les possibilités qu’offre la création en groupe au sein d’un collectif. Jusqu’à présent, les œuvres du collectif ont été exposées/jouées dans de nombreux lieux à travers le monde, comme le Hong Kong Arts Festival, le Barbican Centre de Londres, le Nouveau Théâtre National de Tokyo, le Musée d’Art Contemporain de Lyon, le Festival International des arts de Singapour, ou encore, le Festival International des Arts de Melbourne. En 2018 a eu lieu l’exposition solo Dumb Type « Actions + Reflections » au centre Pompidou-Metz, qui a ensuite été présentée au Musée National d’Art Moderne de Tokyo de 2019 à 2020. En 2022, a également eu lieu une exposition solo à la Haus der Kunst de Munich, et en 2023 est programmée au Musée d’art Artizon une exposition Dumb Type reprenant celle qui s’est tenue dans le pavillon du Japon lors de la 59e Biennale de Venise.

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ICHIHARA Satoko

Dramaturge, metteur en scène et romancière. Née en 1988 à Osaka, passe son enfance dans le département de Fukuoka. Fait des études de théâtre à l’université J.F. Oberlin et crée la compagnie Q en 2011. Les pièces qu’elle écrit et sa mise en scène captent avec une perception particulière du langage et du corps le comportement des êtres humains, leur physiologie et le sentiment de malaise qui s’en dégage. En 2011, sa pièce Les insectes reçoit le 11ème prix de la Aichi Arts Foundation pour le théâtre. En 2017, sa pièce La fable stérile de Favonia figure parmi les finalistes du 61ème Prix Kishida Kunio. En 2019, elle publie son premier roman L’ange de Mamito. La même année, elle présente la pièce Les Bacchantes – Vaches de Holstein à la Triennale d’Aichi. La pièce reçoit le 64ème Prix Kishida Kunio. Chercheur associé à la Fondation Saison d’utilité publique (exercice 2020 – exercice 2021).
Site officiel : http://qqq-qqq-qqq.com/

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